Categories
Ensemble Solo Concert Universal Edition Vocal Work

Drei nautische Stillleben

for mezzo-soprano and ensemble (2021–2023)

DE

Das siebenteilige Werk basiert auf vier eigenen kurzen Gedichten, die unter dem Titel »Drei nautische Stillleben und ein Frostgedicht« zu einem Zylus zusammengefasst wurden. Die Textgrundlage ist dabei selbst wie ein musikalisches, abstraktes Werk gebaut, dessen inhaltlicher Zusammenhang nicht primär durch das Erzählen einer durchlaufenden und klar nachvollzibarer Geschichte sich stützt, sondern vielmehr durch enge Beziehungen auf der Ebene des Materials gestiftet wird. Solche Materialverwandtschaften betreffen kraftvolle Bilder wie die Farbe Rot, die etwa als Farbe der Lava in den Raum geschleudert wird oder als Wein dem Berg der Nymphen entquillt. Das Quellen wiederum stellt ein weiteres solches Grundmaterial dar, es quillt der Wein, es quillt explizit auch die Höhle der Lurche, darüber hinaus tropft und nässt es überall: In den Zungen des Bergs, durch die Poren des Farns, im zerflossenen Sand, im Morast der Astern usf. Beziehungen sehen wir auch zwischen einzelnen Buchstabenclustern: stillt, quillt, Krill, klirrt, kristallin etc.
Ein weiteres wichtiges Motiv sind die vielen großen Kontraste, die natürlich auf der Ebene des Materials wieder eng miteinander zu einem eigentlich surrealen Amalgam verschmolzen werden. So zeichnet die vier Tableaux der Gegensatz zwischen magmatischer Hitze und klirrender Kälte, zwischen dem Trockenen – auch in Hinsicht auf den Klang der Worte und Silben zu verstehen wie etwa bei den beonders konsonantenlastigen Wörtern starrt, steif, klirrt, karg usf. – und dem Nassen – in Analogie dazu finden wir vokallastige Wörter wie Lehm, bleiern, loh usf.

All diese Beziehungen sind in erster Linie musikalischer Natur. Die Aussagen der Strophen bleiben mehrdeutig und stets interpretierbar wie ein Orakel, aus dessen Deutung man sich kleine Weisheiten verspricht. Eine eindeutige inhaltliche Klammer stellt jedoch die Figur der Nymphe dar, die quasi sinnbildlich sowohl den Fluss des Lebens entspringen lässt, wie auch das Versiegen einer Quelle verkörpert. In ihr vereinen sich Hoffnung und Zerstörung, Frühlung und Winter. Der Vulkan (als Nymphenberg) bildet als natürliches Phänomen eine Analogie zur Figur der Nymphe, deren Wesenszüge allzu menschlich anmuten. Ähnlich wie sie schafft er Leben und raubt es zugleich, ist im selben Momement gefährlich und unglaublich faszinierend. Dazu besteht er aus flüssiger Masse (Magma), die zur trockenen Masse (Erde) wird.

Im vorliegenden musikalischen Werk werden besonders diese beschriebenen Kontraste dargestellt: Das Karge trifft auf das üppig Quellende, das Ruhige schlägt um ins Eruptive. An vielen Stellen kommentiert die Musik den Text, so nimmt ein ausladendes Vorspiel schon das Sprudeln des Wassers im ersten Lied vorweg und lässt uns eintauchen in eine impressionistisch-grazile Wasserwelt. Ganz markant ist auch das Bild des mächtigen Pottwals im Klavierpart dargestellt, der quasi vulkangleich eine Luftfontäne durch eine rauhe See in den Himmel schießt. Ebenso plakativ ist der Zusammensturz des Vulkans nach seiner Eruption musikalisch umrissen: Die Entstehung der Caldera finden wir ab Seite 26 in der Partitur als großes, virtuoses Zusammenrasseln dargestellt.
Drei nautische Stillleben entstand zwischen Juni und Dezember 2021 fĂĽr die Mezzosopranistin Klaudia Tandl.

INSTRUMENTATION:

mezzo-soprano and ensemble (1.1.2.1—1.1.1.0—3perc.pno—1.1.1.1.1)

  • flute
  • oboe
  • 1st clarinet in Bb
  • 2nd clarinet in Bb (also bass clarinet in Bb)
  • bassoon (also contrabassoon)
  • horn in F
  • trumpt in Bb
  • trombone
  • percussion (three players)
    • crotales
    • glockenspiel
    • 3 singing bowls (F#3, F4, D6)
    • tubular bells
    • gongs
    • suspended cymbal
    • tam-tam
    • bass drum
    • 3 percussion frogs
    • xylophone
    • vibraphone
  • piano (also celesta)
  • 2 violins
  • viola
  • violoncello
  • double bass (5 strings)

DURATION: ca. 20 minutes

PERFORMANCE MATERIAL:
Universal Edition

PREMIERE:
April 17 2023, Musikverein (Vienna) • Ensemble Kontrapunkte, Gottfried Rabl (conductor), Elsa Janulidu (mezzo-soprano)

Categories
Miscellaneous News

Winner of ensemble blank’s Call for Scores 2022

«Échos éloquents» to be staged in South Corea in 2023

I’m delighted to announce that my work Échos Ă©loquents, composed for flute, clarinet, percussion, piano, violin, viola and violoncello has won an international call for scores launched by the renowned South Corean ensemble blank. The jury—consisting of the members of the ensemble—selected from nearly 150 submissions Eungjin Lee’s composition Geste I alongside my work. Both winning works will be played by the ensemble blank in the next season and will be recorded respectively. Moreover, the winners are awarded a cash prize, too.

Corea’s leading ensemble for contemporary music

ensemble blank was founded in 2015 by the composer and conductor Jaehyuck Choi, the pianist Da-hyun Chung, flutist Ji Weon Ryu and the percussionist Won Lee. In its concerts, the ensemble often combines classical masterworks and modern pieces. Vivaldi & Ligeti, Brahms & Furrer, or a wonderful programme entitled Definition of the Beauty where the audience was offered a subtle mixture of music by Messiaen, Pintscher, Furrer, Choi and Dalbavie contour quite an extraordinary curating—have a look at the ensemble’s concert history here, it’s absolutely remarkable.

In 2020 the young ensemble announced its first call for scores, this year being the third time such an opportunity was offered to composers under 35 years from all over the world.

About Échos éloquents

My successfully submitted piece was written in 2016 and premiered in the same year by the Schallfeld Ensemble in Graz. Back then I tried to compose a piece which has its climax far before its second half (one might typically try to avoid this as a composer). After having written a rather tradtional piano concerto before, I attempted to write a sort of concerto for a small ensemble with a cadenza somewhere in the middle and a rather long second half that functions a bit like a shadow of the first half (and thus being much longer). Of course the outcome deviates more or less from the original idea, however we can easily detect the two parts and the cadenza in (before) the middle when listening to this piece for the first time, I believe.

Being a concerto somehow, the music features many virtuous passages (not only with regard to the playing techniques but also harmonically). Besides it invokes many bell-like sounds (in many possible ways—I really love the sound of bells, plates, gongs and so forth) and also some melodic fragments that might be faintly reminiscent of a Chinese song.

To understand why I inwove such a pseudo-quotation we must have a look at the (already too) many versions of the piece. The version for 7 instruments was composed alongside a version where two Chinese instruments (pipa and erhu) were involved which was commissioned for a concert with the Klangforum in 2016 at the Konzerthaus in Vienna. Both versions are like Siamese twins (there are several differences nonetheless, thus the version with the Chinese instruments has got a different name, miroirs noirs, too). A few years later, in 2019, I have made a third version from the Échos for the Ensemble Musiques Nouvelles in the course of the ‘tactus Young Composers’ Forum. They have made a great video of this version in which I have added a trombone and a guitar to the seven original instruments in Mons. I’d really like to recommend this recording (see YouTube player below).

Ensemble Musiques Nouvelles is playing «Échos éloquents» (Mons version for nine players).
Categories
Miscellaneous News

«four stars and one dark nebula» awarded in Oldenburg

A short piano piece of mine with the title four stars and one dark nebula was awarded the second prize at the 21st Ossietzky-Kompositionswettbewerb in Oldenburg, Germany. The successfully submitted works of this year’s composition will be premiered in the summer term next year at the University of Oldenburg that carried out the international composition competition.

This year’s prize in composition was awarded to works for experimentally played piano (with or without live electronics). The selected works should be of medium difficulty in order to be playable by talented music students.

I’m very happy that my submitted work could persuade the jury. In the recent years, several works of mine have been played by music students and I really believe that it is important for composers to be able to write high-class music that can be played also by musicians not yet specialised in contemporary music. It requires our scores to be notated in a very clear and appealing way at the first place, too. I do feel honoured that one of my works has now been quasi officially lauded for being especially eligible as an educational work.

Categories
Miscellaneous News

«Jeux de lumière» in Regensburg and Vienna

A page of «Jeux de lumière»

The cellist and composer Tomasz Skweres will play «Jeux de lumière» for violoncello on October 16 and 28

There are two concerts coming up in October which I am particularly looking forward to: It’s a great honour for a composer when a truly excellent fellow composer such as Tomasz Skweres has decided to stage one of your solo pieces. Mr. Skweres is an award winning composer whose music is capable of capturing and affecting huge audiences while being very progressive and challenging in its compositional syntax at the same time. I do consider him one of the very best living composers of my generation.

Many great composers have been extremely good musicians as well. Think of Grieg, Brahms or Messiaen. I daresay that Tomasz Skweres contributes to this tradition, being the solo cellist of the Theter Regensburg’s orchestra and having played lots of solo recitals didicated to contemporary music.

Zeitgeist

On October 16, Tomasz Skweres will play my work Jeux de lumière at the Theater Regensburg in Germany. That seems like an ideal place for this piece which requires a dark stage and a strong light in order to project the player’s silhouette onto a wall during its performance. I’m really looking forward to listening to and watching this performance in Regensburg alongside works by KĂ©rome Naulais, Rainer Stegmann and others.

Lichtspiele

On October 28, Tomasz Skweres will give a recital with music by Mateusz Ryczek, Manuela Kerer, Daniel Oliver Moser, Wolfgang Liebhart, Adam PorÄ™bski, Christoph Renhart and Tomasz Skweres at Vienna’s Alte Schmiede. The admission to this concert will be free—don’t miss the chance to visit the event. The Alte Schmiede offers a live stream too (please check their website) in case you’d like to join from outside Vienna.

Making-of

Jeux de lumière was composed in 2015, thus being quite an old work of mine already. I wrote the piece for a recital organized by the Ă–GZM. Having been completely discontent with the piece after its premiere, I thoroughly revised it in 2017 and … abandoned it. So it fell asleep somehow and I thought it will just add to the many skeletons in my cupboard (unplayed pieces). Recently it mysteriously awoke from its hibernation after winning an international call for scores by a Japanese cellist in 2021. Thanks to the fabulous interpretation of Hugo Paiva in Leipzig in the past December, I have placed new confidence in this piece. Originally I thought some of the virtuous textures simply would not work out as expected, but thankfully Hugo’s stunning performance proved me wrong. Writing a solo piece that requires virtuosity to a great extent for an instrument one does not play very well or one does not play at all (such as me and the cello) is always a balancing act. It’s very easy to write something completely unplayable, however it is not a good strategy to avoid making mistakes or to compose rather cautiously, too. Putting one’s head above the parapet is somehow necessary when a composer does not intend to repeat him/herself. I strongly believe that composing has got a lot to do with honesty. Not hiding behind something that we know would work out well, but trying to find new and personal ways and never stop studying the many possibilities any instrument offers. We have to risk unplayable pieces, there is no other way, I’m sure. In short, Jeux de lumière turned out to be a risky piece, both for the performer and its composer, and today I have made my peace with it.

«Jeux de lumière» played by Hugo Paiva in Leipzig
Categories
Miscellaneous News

«Orakel der Nacht» at the J. J. Fux-Conservatory in Graz

On Friday, November 25, the J. J. Fux-Conservatory is organizing a piano recital dedicated to the »sounds of the night«. Students of the conservatory’s piano classes will perform works by Debussy, Romantic nocturnes and extracts from my cycle »XXI Orakel der Nacht«. The event is part of the conservatory’s concert series KonSonanzen.

Starts at 6 PM, Admission is free.

Performance did not take place due to illness of the pianist.

Categories
la petite girafe Miscellaneous

La photo: Die Ballettfigur

What animal has got a long, long (very long) neck apart from a giraffe? It has become most famous hobbling over the stage in some ballets and hissing around in ponds respectively.
Categories
Miscellaneous News

Typophone

The Typophone is an electronic instrument that runs in a web browser.

A JavaScript-based sampler with adjustable panning functions

From summer 2021 onwards I have been experiementing around with JavaScript in order to create a software which can be uses as an electronic part (as an electronic instrument) of new compositions – ready to run in your standard browser.

What to do with it

Let’s get down to the most important question: What can be done with this software and given that it is an instrument, how does it sound? There is a very best answer for it: Find it out!

The Typophone is basically a sampler writting in JavaScript using the Tone.js library. Additionally it provides the user some panning functions and a random mode. Moreover all keyboard events are being displayed – they can be made visible during a performance using a video beamer.

It might seem strange at first sight that such a software is written in JavaScript as most software that is used for sound synthesis and live electronics is usually written in a programming language optimised for sound synthesis (such as SuperCollider or Max MSP or Pd whereas JavaScript clearly is not), however, using JavaScript provides us a crucial advantage in my opinion that clocks off SuperCollider or Max. It’s running in your internet browser and everyone has got one.

Run it in your browser

Why is it crucial that such a software should be browser-based? There is a stunningly simple answer: Musicians can use it for practising. One of the major problems when it gets down to including live electronics into compositions is the fact that usually the setup is rather complicated and requires a spcialist capable of getting a Max/SC/Pd-program or similar to run. We cannot expect from a normal musician to have the technical expertise of handling and setting up a complex audio-environment and doing all the (admittingly quite exciting) spatialization stuff. However, as a composer I do expect my musicians to practise extensivly on a new piece. Thus, if a new piece has an electronic part, the musicians must have a viable way of practising with it. Hence I decided that a browser-based software would be most suitable.

Another fundamental decision was implementing stereophony. We might consider monophony an option as well–natural instruments and some electronic instruments such as electric guitars act as monophonic sound sources too–however, I did not want to take a pass on the excitement of having interesting panning effects. Moreover, every computer comes along with a stereo output, so I decided to make use of its scope. Neither quadrophony was an option for that very purpose (computers having usually only a stereo jack as a standard audio output) nor 5.1 surround sound.

Onstage

The Typophone is designed for two main application fields: It should work well and without installing anything complicated at home in your rehearsal room and onstage. While it can be assumed that everyone is connected to the internet at home (and thus you can comfortably use the typophone by just visiting a website) we can not be sure if in a concert hall WLAN or an ethernet connection is always or easily available. In short, the Typophone has to work offline too. Now, before running it offline we need to know a little bit about how interenet works. Usually we are navigating through the WWW in a web browser. If we enter a web address (an URL) in our browser it will try to start communicating with a server which hosts the page we want to see or the file we would like to download. To make a long story short, browsers rely on the client (browser) and server (a computer somewhere in the world that has the material we want) principle. The Typophone works according to this principle. All sounds are provided by a server and whenever the client asks for such a file, the server will deliver it. Now, what happens, if we just download all the files and doubleclick on player.html while we are offline? The site will open, and the browser will try to retrieve all sound files from the server, however there is no server available unless we run one on our own machine and tell our browser, where it is. So that’s exactly what we’ll have to do, if we’d like to use the Typophone onstage or offline. Sounds a little difficult, right? But don’t get discouraged, its quite easy to run a server. I have made a short tutorial that explains what to do in ten steps:

Using it in my works

Thus far I have written two solo-pieces that involve the Typophone as an electronic part, Drei Illustrationen von Pflanzen for mezzosoprano being the first and Chameleon for one percussionist the other of the two compositions. In the work for mezzo-soprano and Typophone the text is being conveyd to the audience in several ways: Some parts are sung, some fragments are typed and projected to the wall while all the letters produce a distinctive or random sound at the same time and naturally the music itself reacts to the texts emotionally too. Using the Typophone in my compositions thus allows me to deal with any text quite contrapuntally. I instantly liked making use of it in my new works. Furthermore I have been looking for a way to make the process of a player creating a sound on an electronic device visible to the audience in a very straightforward way for a long time. I believe that I have now accomplished this end.

Up next

For now, the Typophone needs to prove successful in concert. I’m still not sure if my notation is already ideal. I decided to use quite a rudimentary kind of tablature, that seemed most logically. The program has got 10 modes, the pitches of the modes 1 to 9 are fixed and could be notated as normal notes, however mode 0 means random sounds. If I notated the actual pitches, it were necessary to have a tablature only for mode 0. That did not convince me. Using tablature would also be more flexible for future implementations like other tunings, other samples (maybe more noisy ones). At this juncture I have recorded a lot of bell-like sounds such as bowls or a gong. Naturally a software can be extended in so many ways that a notation for this instrument must remain extremely flexible or rudimentary. I will definitely continue noodling around with different tuning systems or detunings (seen technically this can be implemented very easily). So stay tuned and enjoy playing the Typophone (the current version is 1.4).

Categories
Chamber Music Vocal Work

Drei nautische Stillleben

for mezzo-soprano and piano (2021)

DE

Das siebenteilige Werk basiert auf vier eigenen kurzen Gedichten, die unter dem Titel »Drei nautische Stillleben und ein Frostgedicht« zu einem Zylus zusammengefasst wurden. Die Textgrundlage ist dabei selbst wie ein musikalisches, abstraktes Werk gebaut, dessen inhaltlicher Zusammenhang nicht primär durch das Erzählen einer durchlaufenden und klar nachvollzibarer Geschichte sich stützt, sondern vielmehr durch enge Beziehungen auf der Ebene des Materials gestiftet wird. Solche Materialverwandtschaften betreffen kraftvolle Bilder wie die Farbe Rot, die etwa als Farbe der Lava in den Raum geschleudert wird oder als Wein dem Berg der Nymphen entquillt. Das Quellen wiederum stellt ein weiteres solches Grundmaterial dar, es quillt der Wein, es quillt explizit auch die Höhle der Lurche, darüber hinaus tropft und nässt es überall: In den Zungen des Bergs, durch die Poren des Farns, im zerflossenen Sand, im Morast der Astern usf. Beziehungen sehen wir auch zwischen einzelnen Buchstabenclustern: stillt, quillt, Krill, klirrt, kristallin etc.

Ein weiteres wichtiges Motiv sind die vielen großen Kontraste, die natürlich auf der Ebene des Materials wieder eng miteinander zu einem eigentlich surrealen Amalgam verschmolzen werden. So zeichnet die vier Tableaux der Gegensatz zwischen magmatischer Hitze und klirrender Kälte, zwischen dem Trockenen – auch in Hinsicht auf den Klang der Worte und Silben zu verstehen wie etwa bei den beonders konsonantenlastigen Wörtern starrt, steif, klirrt, karg usf. – und dem Nassen – in Analogie dazu finden wir vokallastige Wörter wie Lehm, bleiern, loh usf.

All diese Beziehungen sind in erster Linie musikalischer Natur. Die Aussagen der Strophen bleiben mehrdeutig und stets interpretierbar wie ein Orakel, aus dessen Deutung man sich kleine Weisheiten verspricht. Eine eindeutige inhaltliche Klammer stellt jedoch die Figur der Nymphe dar, die quasi sinnbildlich sowohl den Fluss des Lebens entspringen lässt, wie auch das Versiegen einer Quelle verkörpert. In ihr vereinen sich Hoffnung und Zerstörung, Frühlung und Winter. Der Vulkan (als Nymphenberg) bildet als natürliches Phänomen eine Analogie zur Figur der Nymphe, deren Wesenszüge allzu menschlich anmuten. Ähnlich wie sie schafft er Leben und raubt es zugleich, ist im selben Momement gefährlich und unglaublich faszinierend. Dazu besteht er aus flüssiger Masse (Magma), die zur trockenen Masse (Erde) wird.

Im vorliegenden musikalischen Werk werden besonders diese beschriebenen Kontraste dargestellt: Das Karge trifft auf das üppig Quellende, das Ruhige schlägt um ins Eruptive. An vielen Stellen kommentiert die Musik den Text, so nimmt ein ausladendes Vorspiel schon das Sprudeln des Wassers im ersten Lied vorweg und lässt uns eintauchen in eine impressionistisch-grazile Wasserwelt. Ganz markant ist auch das Bild des mächtigen Pottwals im Klavierpart dargestellt, der quasi vulkangleich eine Luftfontäne durch eine rauhe See in den Himmel schießt. Ebenso plakativ ist der Zusammensturz des Vulkans nach seiner Eruption musikalisch umrissen: Die Entstehung der Caldera finden wir ab Seite 26 in der Partitur als großes, virtuoses Zusammenrasseln dargestellt.
Drei nautische Stillleben entstand zwischen Juni und Dezember 2021 fĂĽr die Mezzosopranistin Klaudia Tandl.

INSTRUMENTATION:

mezzo-soprano and piano

Both players play also small percussion instruments:
3 singing bowls, 3 percussion frogs and one tam-tam (or gong or a bell plate)

DURATION: ca. 20 minutes

PERFORMANCE MATERIAL:
info@chrenhart.eu

PREMIERE:
April 17 2023, Musikverein (Vienna)

Categories
Electronic Solo Instrument Work

Chameleon

for one percussionist (2022)

DE

Alfred Brehm beschreibt in seinem berühmten »Thierleben« das Chamäleon als ein zumeist regungsloses Wesen: »Tagelang beschränkt sich ihre Bewegung darauf, sich bald auf dem Aste, welchen sie sich zum Ruheplatze erwählten, niederzudrücken und wieder zu erheben, und erst, wenn besondere Umstände eintreten, verändern sie nicht bloß ihre Stellung, sondern auch ihre Plätze. Das verschrieene Faulthier und jedes andere derjenigen Geschöpfe, welche auf Bäumen leben, bewegt sich mehr und öfter als sie, falls man absieht von Augen und Zunge; denn erstere sind in beständiger Tätigkeit, und letztere wird so oft, als sich Beute findet, hervorgeschnellt. Kein anderes Wirbelthier lauert ebenso beharrlich wie das Chamäleon auf seine Beute; es läßt sich in dieser Hinsicht nur mit den tiefststehenden, dem Felsen gleichsam angewachsenen wirbellosen Thieren vergleichen. Wer so glücklich gewesen ist, das keineswegs leicht zu entdeckende Geschöpf aufzufinden, sieht, wie beide Augen beständig und zwar ruckweise sich drehen und unabhängig von einander nach den verschiedensten Richtungen auslugen. Hat längeres Fasten die sehr rege Freßlust nicht angestachelt, so verweilt das Chamäleon in derselben Stellung, auch wenn es glücklich Kerbthiere gesehen hat, und wartet ruhig, bis sich in entsprechender Entfernung von ihm ein solches auf einem Zweige oder Blatte niederläßt. Sowie dies geschehen, richtet sich der Kopf dem Kerbthiere zu, beide Augen kehren sich mit ihren Spitzen nach vorn, der Mund öffnet sich langsam, die Zunge schießt hervor, leimt die Beute an und wird zurückgezogen; man bemerkt sodann eine rasche, kauende Bewegung der Kiefer, und das Thier erscheint wieder so regungslos wie zuvor. War es aber längere Zeit im Fange unglücklich, so verfolgt es wirklich ein erspähtes Kerbthier auf einige Meter weit, ohne jedoch den Busch, auf welchem es sich gerade befindet, zu verlassen.« (source)

Das vorliegende StĂĽck verkörpert zwar kaum diese Art von Unbeweglichkeit eines starr im Geäst hockenden Tiers, wohl aber dessen innere Aufmerksamkeit, das ruckartige Muster seiner Blicke, die stetige Bereitschaft zur explosiven Geste sowie die Wandelbarkeit seiner Farben. Diese Fähigkeit, das eigene Erscheinungsbild zu verfärben war die eigentliche Ausgangsidee meiner Komposition fĂĽr eine:n Schlagwerker:in. Mehrere sehr konträre instrumentale Farben werden vermischt und lösen einander ab. Dabei ist der Rahmen ein recht ĂĽberschaubarer: Den metallenen Idiophonen steht das Xylophon mit seinem sehr kurzen Nachklang als ›trockener‹ Klangraum gegenĂĽber. Dazu kommt noch eine breite Palatte an gesampelten Klängen aus dem elektronischen Part. Die Elektronik macht auch Brehms’ Text fragmentarisch sichtbar und beleuchtet das klangliche Geschehen in durchaus ironisch zu verstehender Weise.

Während die ersten beiden Sätze sich mit den irdischen Eigenschaften eines Chamäleons auseinandersetzen folgt im letzten Satz ein Blick auf den südlichen Nachthimmel. Auch das Sternbild Chamäleon zeichnet eine scheinbare Statik, die Sterne verharren regungslos am Himmel und strahlen schwach leuchtend über der Nacht. Diese Stimmung wird hier als dramaturgischer Gegensatz zu den vorigen Teilen eingefangen – ein nächtlicher Abgesang, ein musikalischer Augenblick durchs Fernrohr.

INSTRUMENTATION:
percussion (one player)

  • 5 singing bowls (tuned in F#3, F4, Eb5, E6, D7)
  • saturn gong (or other gong tuned in D3)
  • glockenspiel (range from F6 to C8)
  • xylophone (range from C5 to C8)
  • typophone (computer, browser & two speakers)

DURATION: 9 minutes

PERFORMANCE MATERIAL:
info@chrenhart.eu

PREMIERE:
To be announced.

Categories
Chamber Music Work

Karte der Ornamente und Arabesken

for flute, oboe, clarinet, bassoon, horn and percussion (2022)

DE

Die Karte der Ornamente und Arabesken ist eine Art auf den Kopf gestellte Barocksuite. Die einzelnen Sätze stilisieren anstelle der Rhythmik eines alten Tanzes jeweils eine gewisse Manier von Verzierungen. Im ersten Satz stehen Trillerfiguren im Zentrum, im nächsten die Idee des Mordent und in einem weiteren das Arpeggieren von Akkorden. Ganz wie im barocken Vorbild unterscheiden sich alle Sätze in ihren Charakteren stark voneinander. Den Sätzen zwischengestellt sind drei virtuose Kadenzen. Im Gegensatz zur traditionellen Suite erscheint hier das ausladende Präludium als Schlusssatz – als Postludium. Darüber hinaus wird auch auf einen weiteren Wesenszug barocker Suitensätze Bezug genommen: Alle Ornament-Tänze thematisieren die Ripresa, also die Wiederaufnahme einer kompositorischen Idee.
Grundlage dieser Fassung für Bläserquintett und Schlagwerk ist die gleichnamige Version Stücks für Flöte, Harfe und Cembalo, die im Jänner und Feber 2022 für das Ensemble »airborne extended« entstand.

EN

Karte der Ornamente und Arabesken is a kind of topsy-turvy Baroque suite. The individual movements stylise a certain manner of ornamentation in the place of the rhythms of ancient dances. In the first movement trills are at the centre, in the next movement the idea of the mordent is being focussed on and in a further movemet the arpeggio of chords. Much like the Baroque model all movements vary widely in their characters. Interposed between the movements are three virtuous cadenzas. In contrast to the traditional suite the sweeping prelude appears here as the final movement – as a postlude. Moreover, another trait of a typical Baroque suite’s movement is being referenced: All ornament-dances broach the issue of the Ripresa, the restatement of a compositional idea.
This version is based on the version of the same piece with the same name for flute, harp and cembalo which was composed in January and February 2022 for the ensemble airborne extended.

INSTRUMENTATION:

wind quintet:

  • flute (also bass flute)
  • oboe (also English horn)
  • clarinett in Bb (also bass clarinet)
  • bassoon
  • horn in F

percussion (one player):

  • glockenspiel
  • vibraphone
  • marimbaphone
  • one large gong (if possible tuned to Db)
  • suspended cymbal
  • bass drum or low timpan

DURATION: 7 minutes

PERFORMANCE MATERIAL:
info@chrenhart.eu

PREMIERE:
This piece has not been played yet.